SANTIAGO ARTEMIS

Ya tiene su séquito entre las celebrities, y hasta Tyra Banks habló de él en el programa de Jimmy Fallon. Con un estilo personal que ya es su trademark, Artemis es para chicos y chicas con 
una idea estética afilada como la suya. santiagoartemis.com



Es egresado de la Escuela Argentina de Moda y está cursando el tercer año de Diseño de Indumentaria en la UBA, pero ya a los 5 dibujaba vestidos de novia y a los 14 empezó a diseñar los vestidos de quince de sus primas, para llegar a hacer sus propios looks a los 17, inspirado por diseñadores como Viktor & Rolf, Balenciaga y Balmain. Y aunque son evidentes las marcas de su propia identidad en cada prenda, son ponibles y tienen su cuota comercial. Para la temporada otoño/invierno 2013, Santiago creó “The Beginning”, una colección que toma las referencias culturales de cuando él era chico: la silueta de los 80, de cintura estrecha, hombros marcados, peplums y faldas tubo, más precisamente tomadas de la película “Troop Beverly Hills”, una parodia de 1989 con Shelley Long que combina a chicas scouts y moda. A la vez, busca lo mixto con estampas y una estética renacentista (cuadros de Botticelli, Da Vinci, Jan van Eyck y Rafael) e incluye el trabajo artesanal: por ejemplo, con rosas hechas a mano aplicadas sobre las prendas. para él, lo que diferencia a su marca es que tiene un gran equipo que lo acompaña y comparte su visión. “Las producciones en las que aparecen mis prendas siempre son jugadas, 
y terminan pareciendo similares a las de Vogue Italia o Numéro. Es importante que mis prendas tengan un factor de diferencia, un diseño exclusivo, un valor agregado”. Y Artemis no para: acaba de volver de Londres de mostrar sus prendas en un showcase de diseño argentino en el British Fashion Council, en el marco de London Fashion Week, y ya tiene agendados dos desfiles para este año, uno en abril y otro en agosto. También está organizando un viaje a Europa para hacer las fotos de su colección y está armando su estudio en Recoleta. Y siempre va s seguir vistiendo a sus musas y a celebrities, como Charlotte Caniggia y Katy Perry.


VANESA KRONGOLD

Surfea en un paraíso Google, entre fealdad plástica y robots. A sus aliens preferidos los llamó “Supermercado” para su colección primavera verano 2012. Disney nunca estuvo tan cerca y Vanesa Krongold aterrizó sus chips de color. La fauna y flora serán sus nuevos continentes digitales. Muchos osos de peluche para una fiesta de 15 que nunca sucedió. vanesakrongold.com

Texto Bárbara Arcuschin
Fotografía Nicole Arcuschin



Una virtud: es muy difícil decirme que no. Un defecto: soy demasiado ansiosa. Signo: piscis, aunque a veces me dicen que soy del que le sigue porque soy del ultimo día de piscis. ¿Venus o Marte? venus. Programas de TV favoritos en la infancia: “Sabrina, la bruja adolescente” y “Chiquititas”. Libro favorito en la infancia: todos los de las mellizas de Sweet Valley. ¿Milanesa con papa fritas o asado con papa al plomo? obviamente, milanesa con papas fritas. Una canción: “La rubia tarada” de Sumo. Un amor imposible: Kirsten Dunst y Tomás Fonzi en “Verano del ‘98”. Una pesadilla: toda la gente vestida igual a mí y con espejos que los muestran de todos lados. ¿Preferís la fama o hacerte millona
ria? la fama. ¿Terciopelo o chiffon? chiffon. ¿Cómo sería una colección para Adán y Eva? todo body painting con forma de frutas, animales exóticos y seguramente pinturas con olores afrodisíacos que lo tienten a Adán. Le pondría extensiones de pelo larguísimas a Eva, tipo Rapunzel, y algún vestido lleno de flores y plantas tipo María Antonieta, pero de la selva. Ah, y algo medio Harajuku estaría bueno como para ubicarlos más en este momento del universo. ¿Donde te gustaría haber nacido? en Tokio. ¿Vos sos Vanesa Krongold o te hacés la Vanesa Krongold? soy Vanesa Krongold y a veces me disfrazo de mí misma. ¿Qué quisieras que te pase en 2013? poder contar muchas historias nuevas 
a través de mi ropa.


LUZ BALLESTERO

Es parte de la nueva generación del diseño local que está dándose a conocer 
a un público cada vez más grande y ya no sólo para el círculo fashionista. Acaba de presentar su colección “Denouer” en el último BAFWeek. luzballestero.com

Entrevista Pope Cerimedo
Fotografía Coni Dietrich



¿Cual es tu background?
Estudié en la UBA y me recibí en 2006. Cuando estaba estudiando empecé a laburar con Laura Valenzuela, después Maria Cher, y dos años con Vero Ivaldi. Hice la mezcla de trabajar en algo más marca, con un diseñador y en alta costura. Después me fui al exterior y trabajé para Benetton, una experiencia en una súper marca y estuvo buenísimo. Volví y me dediqué a armar lo mío. Hay ciertas cosas muy Luz Ballestero. Me gusta que mis prendas sean usables, que tengan un código deportivo, relajado, cómodo. Y trabajás mucho en la moldería creando formas no obvias. Diseño saliendo de algo simple, como una camperita, un vestido o una musculosa básica: lo desarmo y lo vuelvo a armar. ¿En que te inspiraste para la colección “Denouer”? En francés quiere decir desanudar: pensé en el stretching de los músculos y la respiración, una pose estirándose dentro de otra y cómo los músculos dentro del cuerpo se mezclan, se anudan, mientras que por afuera ves algo súper simple. ¿Seguís tendencias, mirás lo que viene para tener una referencia o estás totalmente abocada a tu estilo? Miro mucho Pinterest, muchos blogs, miro colecciones, pero sólo como referencia y para saber qué pasa. Trato de armar looks relajados porque cuando los ves en la calle sabés que funcionan, y en la pasarela es más difícil transmitir esa sensación. ¿Un diferencial de tu marca? Son prendas que las ves colgadas y no pensás que son fáciles de usar, pero te las ponés y estás súper cómoda y podés usarlas todos los días. ¿Planes a futuro? Crecer en el mercado mayorista, poder vender en el exterior, y seguir teniendo el desfile. Por más de que me estrese, me divierte. No quiero volverme loca con algo que no puedo controlar, pero la idea de la próxima colección es hacer mas artículos, pasar de 18 a 30.


RIGOBERTA DEL TESOURO

Es una marca de vinchas, coronas y tiaras hechas con flores, plantas y animalitos entramados con un twist lúdico, kitsch y vintage. facebook.com/RigobertaDelTesouro

Entrevista Pope Cerimedo
Fotografía Dr. Sepian



¿Cómo es Rigoberta? Es kitsch. Tiene que ver tal vez con que haya crecido en el sur. Es aniñada, pero no para niños. ¿Dónde encontrás tu inspiración? Mirando el lado lúdico, el pasado, el juego. ¿Seguís tendencias como referencia? No, para nada. No lo miro ni para lo que hago ni en general. Me gusta mantenerme al margen y no contaminarme con el resto de las cosas. ¿Cual es el diferencial de la marca? Hoy en día nadie hace los productos igual. Hubo gente que quiso copiarlo pero no pudieron porque se nota. Por la mano de obra y porque mi inspiración viene cuando lo voy haciendo y voy viendo cómo queda. ¿Vas haciendo colecciones o mini colecciones? Hago mini colecciones, me mantengo al margen de tendencias y temporadas, no quiero estereotipos. Las colecciones surgen cuando me aburro de la última. La nueva colección surgió hace un mes. Cuando me aburra, haré algo nuevo. ¿Que planes tenés para este año? Seguir creciendo, seguir produciendo, seguir teniendo inspiración. ¿Donde vendes tus productos? En Patio del Liceo, local 19, y me pidieron productos para una marca que se llama Chinita.


BANDOLEIRO

Gerardo, tú que eres príncipe y mendigo, aquí llega la oración a quien tiene poca monta y mucho corazón. Top en Opening Ceremony, presente en Sr Amor. Hace saltar los tapones del Malba mientras se disfraza de Björk. Bandoleiro es del under y su nickname es Dubois. ¡Boliwaxo 
te desea que disfrutes, miamor! bandoleiro.com.ar

Texto y Fotografía
Bárbara Arcuschin



¿Qué virtud hay que tener para ser tu amigo?
paciencia, saber no escucharme ni tomarse en serio mis mostreadas. ¿Porno amateur o hardcore? el amateur argentino es lo mejorcito de lo último que vi. Me copa el de viejos con nenes jóvenes y también el gay oriental. Igual me gusta todo: en materia de porno, no le digo que no al mainstream. En verdad, ¡no le digo que no a nada! ¿Rata o murciélago? rata. ¡Es más de under, miamor! ¿Yate o descapotable? ¡ambos! ¿Lúrex o plush? no puedo elegir. ¿Te fuiste a Bariloche de viaje de egresados? sí. ¡por Lapa, post accidente! ¿Te gustaría diseñar conmigo un calendario hot? ¡pensé que ya estábamos trabajando en eso! ¿Qué enemigos tenés? las instituciones, como por ejemplo la UBA o la Cámara Argentina de la Indumentaria, las dinosaurias. ¿Cómo vestirías a Monzón para una gala? con bata, cinturón y bermuda, todo alto brillo. ¿Qué desayunás? café, porro y porno. ¿Viste alguna vez un enano? sí, al mismísimo pitufo Enrique. Me hizo sexo oral. ¿Qué creés que fuiste en tu vida anterior? un cowboy potro. ¿Qué le deseás a Bandoleiro para 2013? salud, dinero, amoooor y ¡que vuelva Björk!


DE PORCELLANA

Heredera local de los sombrereros Philip Treacy y Stephen Jones, nunca copiando ni siguiendo modas, Florencia Tellado hace piezas únicas que extienden el cuerpo hacia arriba, que protegen las ideas y nos evitan el horror de pasar inadvertidos. deporcellana.wix.com/handmadehats

Entrevista Pope Cerimedo



¿Por qué “De Porcellana”? Tiene que ver con la fragilidad que tiene un sombrero: lo asocié con algo delicado y a la vez elegante. ¿Y por qué tenés afinidad con el objeto sombrero? El sombrero protege las ideas y hace que te recuerden. Siempre que tengas algo en la cabeza te van a mirar de otra manera. ¿Con quiénes aprendiste? Con Laura Noetinger, que viene de la escuela de Londres, y con Ilda Juárez, del Colón, que ahora esta ciega. ¿Hay un estilo o un concepto de la marca? Los sombreros de De Porcellana son una extensión del cuerpo. Son líneas verticales o diagonales, pero para arriba, nunca muy chiquitos, siempre exagerados. Expresionistas y teatrales, exóticos, para gente con personalidad. Tenés que estar preparado porque te van a mirar. En este país hay mucho prejuicio con la idea del sombrero. En otros lados seguramente te van a sonreír más que acá. ¿Trabajás por colección? No. Son piezas únicas. Son como obras de arte. No corresponden a una moda. Cuando te sentás a diseñar, ¿tenés una idea en la cabeza o partís de una forma o material? Salvo que sea algo por encargo, es tipo workshop: agarro material, pongo música y veo qué va saliendo. Es muy lindo el proceso. ¿Seguís tendencias? Creo que la tendencia está en el aire y es lo que le está sucediendo al mundo entero. Acá la gente se viste toda igual y se copia mucho, muchas productoras me piden que les haga algo ya hecho y eso yo no lo hago. No quiero que cualquiera se ponga mis sombreros. Pueden hacer un papelón de mi obra. ¿Qué te gustaría que pase en 2013? Sacar los sombreros del país.


SCHANG-VITON

Se caracteriza por su estudio morfológico, por experimentar con las figuras geométricas y corromperlas para llegar resultados que pueden llamarse siluetas amorfas únicas en su especie. Y por lo general, son amplias e hipermoduladas y con un aire entre oriental 
y francés: un mix que viene del origen de 
la diseñadora Julia Schang-Viton. schangviton.com.ar


Ella es diseñadora de indumentaria recibida de la UP, colaboró con Nadine Zlotogora y complementa esta formación con todas sus experiencias y estudios informales: redacción, foto, música y artes plásticas. Hoy trabaja junto a su asistente, Diego, con quien diseña, baja moldería, corta tela, plancha y vende.
Para la temporada otoño invierno 2013, Schang-Viton presentó O.V.N.I.; una colección inspirada en todo lo que nos rodea que no es tangible, pero que podemos sentir, presentir y hasta creer. “Hace un par de veranos vi mi primer ovni sentada en la galería de mi casa en el Uritorco, Córdoba”, cuenta Julia, “y esta colección se la dedico al cosmos y los astros, los dioses y los seres de otros planetas. La posibilidad de creer en lo que a veces no se deja ver me resultó esperanzadora: he aquí mi tributo”. El protagonista es el círculo, porque es el símbolo de lo que invoca la colección,  y puede reconocerse en morfologías, estampas, sustracciones y superposiciones, continuando con la investigación geométrica que Julia empezó en su primera colección, “Kinesis” (2012).
Aunque ella no sigue las tendencias, aclara que “son tantas que seguramente mi colección pueda ser catalogada dentro de alguna, pero no es intencionalmente”. Cada prenda se materializa minuciosamente y se eligen textiles que sean amigables con el cuerpo para llegar a piezas atemporales que puedan ser amortizadas en toda una vida. En otras palabras, la complejidad invisible de lo simple.


OVEJA OVEJA

Es una marca de prendas 100% de cuero que funcionan como comodines porque combinan moldería 
clásica con estampados 
y detalles jugados. ovejaoveja.com



Las prendas de Oveja Oveja forman parte de series limitadas y numeradas y entonces son objetos únicos. Estas ediciones especiales son el resultado de un proceso que va desde la selección de cabras, ovejas y vacas, los mejores complementos y avíos y los calces y las texturas de cada uno de los productos. Los estampados son hechos a mano sobre camperas, minis, pantalones con comfort fit, carteras, sobres, collares, pulseras y anillos.
Sus creadoras son Lucía Cassullo -diseñadora de indumentaria con un posgrado en St Martins School of Art and Design en Londres y experiencia en marcas como Uma, AY Not Dead y Puma- y Rosario Freixas, que estudió administración de empresas y diseño de interiores y trabajó en vestuario de cine. Ellas plantean tres ejercicios mentales para entender al cuero y sus beneficios. El primero tiene que ver con la sustentabilidad: desde el tratamiento, esta dupla considera al cuero como material ecofriendly, mucho más que los plásticos tan populares hoy en día. Además, proponen tener en cuenta que viene de animales que no sólo dan su cuero sino también su alimento y su lana. Al trabajar con criaderos autorizados, se aprovechan todas sus cualidades y entonces no hay descartes. El segundo ejercicio mental es acerca de la durabilidad: las prendas 100% de cuero son para toda la vida, a diferencia de las que son imitación símil cuero, que terminan costando más a largo plazo.  El tercer ejercicio mental es considerar al cuero como una segunda piel, como un abrigo o una capa de protección. Los productos en cuero generan un feel inigualable: es un material que se amolda tanto al cuerpo que la prenda pasa a ser casi una coraza, una membrana, que aísla en invierno y es llevadera durante el verano.
La propuesta de Oveja Oveja para esta temporada se llama “Amour” y viene en una paleta donde hay verde petróleo, gris otoño y rosas, texturas como el charol y calados en cuero. Se consigue en su showroom en Palermo y también en Club Poupee (Chile) y en Uruguay en El Canuto (José Ignacio) y Monaqueda (La Barra).


LONVAL

Mirar al pasado para crear algo futurístico es la guía conceptual de Mica Chemmes, que prefiere viajar en el tiempo para inspirarse en la construcción de sus piezas. Y además de diseñar para su marca Lonval, es la mitad de 
la dupla de fotografía, video 
y dirección de arte ETAT. lonval.com.ar



¿Por qué “Lonval”? Es por Léa de Lonval, la protagonista de “Chéri”, mi novela favorita, escrita por Colette. Hace tres años, empecé a hacerme ropa para salir y me preguntaban tanto que armé la marca. ¿Cada pieza la hacés vos? Sí, todo, porque no encontré a nadie que la haga como yo. ¿Cuál es tu background? Estudié Imagen y Sonido e Indumentaria en la UBA, y caracterización en el Colón. ¿Con qué materiales trabajás? Sobre todo metal y cristales Swarovski, y también apliques en cuero para los objetos decorativos. ¿Trabajas por colecciones? Tengo colecciones, pero son atemporales y las piezas se van agregando cuando están listas. No sigo temporadas. ¿Cuál fue la inspiración de la última colección, “Gaspard de la Nuit”? Los ballets rusos de 1910-1920. “Gaspard de la Nuit” en francés quiere decir “tesorero de lo oculto, de lo precioso, de la noche”. Quise hacer algo muy detallado y oscuro, símil encaje, con metal. Esta es mi línea más compleja, porque tengo prendas con 17,000 argollas. ¿Qué separa LV, la línea más exclusiva, de Lonval? Tiene diseños más complejos y artesanales y cristales mas caros. ¿Seguís tendencias? ¿Mirás lo que pasa en el mundo de la moda? Miro tendencias de hace 80 años. Siempre tomo algo retrofuturista, hacia el pasado y hacia el futuro. Mi década favorita es la del 20. ¿Cuál dirías que es el diferencial de tu marca? El trabajo de las tramas de metal. ¿Que te gustaría que le pase a la marca en el 2013? Quiero conseguir más puntos de ventas. Me gustaría focalizarme a Argentina, es complejo vender en el exterior. Me quiero dedicar más a las campañas.


DUBIÉ

El concepto de Dubié es claro: ropa, zapatos y accesorios basados en el diseño creativo con un código atemporal o clásico. Prendas bien hechas y 
con buenos materiales. dubie.com



“Siempre supe que quería diseñar mi propia marca”, cuenta Agustina Dubié. Pero antes de hacerlo, aprendió de dos monstruos, porque después de estudiar en la Central Saint Martins de Londres, trabajó con dos egresados ilustres de esa escuela: el shoemaker estrella Nicholas Kirkwood y la serbia Roksanda Illincic. “El inicio fue bastante impulsivo e irracional. Teníamos muchas ideas y queríamos hacerlas realidad. Creíamos que podíamos hacer algo diferente y novedoso y no dudamos demasiado en materializarlo”. Habla en plural porque la acompañan Javier Martínez Bo y Juana y Ubaldino, y muchos otros que colaboran desde afuera de la marca. El concepto de Dubié podría definirse como “street style elegante” y su fórmula es diseño creativo como base, moldería impecable en la ejecución, telas nobles y una máxima atención a los detalles y terminaciones que dan como resultado prendas clásicas con un aire de modernidad.
La colección otoño invierno 2013 es más relajada que las anteriores y para eso desarrollaron piezas más cómodas, con siluetas lánguidas que evolucionan sutilmente hacia prendas más holgadas y largas para las que se usan más cantidad de tela. En esta colección también está presente la idea de la atemporalidad y siguen ausentes los adornos y decorados.
El diseño se caracteriza por un quiebre de líneas de las prendas clásicas, usando recursos de la ropa de trabajo pero enriqueciéndola a través de nuevos cortes que llevan a cambios en su materialidad. “Todos estos son detalles que trabajamos para darle carácter a las prendas”, cuenta Agustina, y explica: “Los tipos de prenda presentes este invierno decantan de esta idea”. Son largas, importantes y, sobre todo, relajadas. El pantalón es la pieza más significativa. Los tops, remeras y buzos fueron reinterpretados en materiales como seda, lana y cuero, y se convierten en la camisa de hoy. Los hombros se caen y la sisa se alarga. La sastrería deja de ser rígida, no tiene estructura y por eso acompaña al cuerpo sin modificarlo.
Si bien Agustina dice que usa muy pocas prendas de color porque “el negro es fácil y tiene mucha personalidad”, esta temporada, Dubié tiende a reemplazar al negro por el azul y a convertirlo en el neutro de la colección en todas sus variantes porque, para ella, “es el color emblemático de los uniformes y, al mismo tiempo, es  el más elegante de todos”.
“Conceptualmente buscamos más calidad que cantidad”, cuenta Agustina. ¿Y en el futuro? “Nos imaginamos creciendo como marca, abriendo nuevos mercados, desarrollando productos diferenciados”.


I CROWN VICTORIA

Es un mundo de hechos intuitivos e irrepetibles que empezó con una mini producción de tocados hechos por Victoria Magrane, que después bajaron y se convirtieron en collares. icrownvictoria.blogspot.com.ar



“Todo es creado y armado por mí”, cuenta la ideóloga de i Crown Victoria. Ella es de las que se fueron a Londres a hacer cursos en Central Saint Martins, y ahí se dio cuenta de que lo suyo eran los tocados. Y cuando volvió a Buenos Aires, se anotó en la ABM para estudiar Diseño de Indumentaria y decidió viajar cada vez que podía para aprender. En un viaje clave a París, en 2011, pasó por una mercería que estaba cerrando y remataba todo tipo de cachivaches y compró de manera desenfrenada. Cuando llegó a su casa, armó su primer i Crown Victoria y, a partir de ese momento, decidió dedicarse con seriedad a lo que siempre había hecho como un juego.
Y a pesar de que sus tocados eran un hit, Victoria decidió mudar todo su carnaval de la cabeza al cuello “para liberarse de ese mundo de dudas que nos aqueja tanto a las argentinas al ponernos cosas en la cabeza”.
Su fórmula es básicamente intuición + calma. “Tengo un romance bastante particular con lo que hago,” cuenta Victoria. “Me gusta el ritmo con el que se gesta, no me atolondro, respeto mis tiempos creativos y no me obligo a hacer algo nuevo si o si. Confío en que cuando sale, sale”. La última tirada es entre africana y kitsch: colores muy fuertes y elementos rígidos como sogas mezclados con plástico y detalles en madera.
El diferencial de i Crown Victoria es claramente que cada pieza es diferente. “Cada cosa es como una joyita: se nota cómo pasó el hilo por el tramado, se nota que las combinaciones son intuitivas, se nota que fue hecha a mano, y eso hace que, de alguna manera, las quieras más”.


JOAN MARTORELLO

Presentó su colección “Manada” en
la última edición del ciclo La Ciudad 
de la Moda y habla como si fuese 
un veterano del diseño, pero su línea recién tiene un año y está dando los primeros pasos de un recorrido seguramente largo e interesante. facebook.com/JMARTORELLO

Entrevista Pope Cerimedo



¿Con quiénes trabajás? Yo estoy como coordinador general y diseñador de todo, Martinica Lena hace los tejidos. Francina Cataldo es la encargada de producto y Paulina Correa y María de Larrañaga están en relaciones públicas. ¿Cuál es tu background? Estudié indumentaria en Palermo, todavía me falta un año. Estuve una marca deportiva, de skaters, donde tenía la tarea de buscar productos similares, y eso fue lo que me llevó a estudiar. Hice un año de industrial, pero quería encontrar algo entre lo escultórico y la critica social. ¿En qué te inspiraste para “Manada”, tu colección de invierno? En la primera inmigración grande a la Argentina. Quería crear una rusticidad roída, como con el paso del tiempo, con sensación de humedad, de usado, gastado. Con materiales nobles y naturales, crear una estética más grunge, sastrería holgada, texturas lanosas. A la hora de los acabados y las terminaciones, fuimos a los oficios perdidos, y se notan las costuras gruesas. Manejás paletas de colores más bien neutros y terrosos. Siempre me gusta trabajar el color con una buena carga de gris. ¿Miras lo que pasa afuera en las pasarelas de hombre? Creo que, como diseñador, tenés que saber qué pasa en el mundo, estar continuamente observando te nutre de ideas, más siendo de una generación que recién esta empezando. ¿Que diseñadores te gustan? Dos relativamente nuevos: Sruli Recht y Dainius Bendikas. Y Yamamoto siempre. ¿Seguís las tendencias o estás 100% dedicado al diseño diferente? Siempre tenés que estar viendo lo que quiere la gente, pero en el color no tanto: me guío de manera más caprichosa, a ojos cerrados. ¿Planes a futuro? Lo importante para una marca emergente es poner metas cortas y cumplibles. Es muy importante asentar la imagen, generar expectativa en el público y poder armar la infraestructura y flujo de producto.


PABLO BERNARD

Viene de la arquitectura y ahora se reparte entre las colecciones de su marca, la crónica de moda y el diseño de muebles. Ya va por su cuarta temporada desafiando al guardarropas masculino. pablo-bernard.tumblr.com

Fotografía Pablo Bernard
Modelo Leandro Belmudes para Haru Models



Hace varias décadas que la ropa de mujer viene nutriéndose de un aura de sofisticación y evolución estética que Pablo Bernard le quiere dar a la ropa masculina. Para él, el hombre contemporáneo tiene que aprender a divertirse y a ser más creativo a la hora de elegir qué ponerse, pero no es algo tan simple porque, para descontracturar el vestidor del hombre, hace falta transitar cuestiones que exceden al universo masculino. Por eso ya hace una temporada que saca una línea de mujer como extensión del universo Pablo Bernard, que también incluye proyectos editoriales independientes en moda, ilustración y arquitectura (carrera que estudió hasta el último año en la FADU). Bajo los seudónimos Pablo Canopus y Pablo Morgue, intentó demostrar que en la relación entre arquitectura y moda no siempre conviene que exista un acuerdo. Quizás por eso tenga razón cuando dice: “No me considero ni periodista, ni arquitecto, ni diseñador industrial, ni una gran ilustrador, porque no he estudiado ninguna carrera completa; solo sé que me gusta mucho escribir, dibujar, desarrollar y coordinar el trabajo de distintos colaboradores”. Y le gusta el equilibrio tenso que se da entre el concepto de su colección y su presentación, que es una parte fundamental del proceso de crear: sus pequeños desfiles a principio de cada temporada son un despliegue de movimientos guionados, de aparente freestyle y con mucha música.

Es que el punto de partida y pilar de todo su universo es la música, que deriva en lo audiovisual: música e imagen van unidas, como resabio de una adolescencia frente a la pantalla de MTV que moldeó su cerebro más que el del cine y es lo que ordena todas los elementos y sobreestímulos del mass media a los que hace referencia la marca. “Creo que antes que cualquier otra cosa los diseñadores de moda son una suerte de montajistas que mezclan y remezclan órdenes que de alguna manera ya existen, llevando todo al extremo de lo que conocemos como estilo”.


CHERIE LEE

Bárbara Salazar y Paula Palese empezaron a diseñar cuellos con la ventaja enorme de que eran las únicas que lo hacían acá. Menos 
de dos años después, ya tienen su lugar y, a partir de ahí, van a expandirse al infinito y más allá.
mycherielee.tumblr.com

Entrevista Pope Cerimedo



¿Como empezaron? Nos conocimos estudiando diseño de indumentaria en la facultad de Palermo y nos hicimos amigas. Después de un viaje de estudio de dos meses a New York volvimos con la cabeza llena de ideas, con ganas de salir de lo académico y decidimos empezar un emprendimiento. Surgió hacer este accesorio porque acá nunca se había visto. ¿Por qué “Cherie Lee”? Se lo pusimos por la cantante de The Runaways. La idea era aludir a un personaje ficticio, agregarle algún sentido a palabras que suenan bien. ¿Cuál es el concepto de la marca? La definimos como ecléctica: hay algunos cuellos más naïf y otros más rockeros. Queremos crear uno para cada estereotipo imaginario, que la marca resalte el aspecto lúdico. No es una colección conceptualizada, cada cuello cuenta una historia y busca un personaje que vaya con él. Además, como el cuello un complemento, está bueno que haya variedad. Cada cuello es una inspiración distinta. Tal vez vemos un textil y nos dispara un personaje, pero este accesorio es una tendencia que no hay que recargar mucho. Cuidan mucho la moldería. Sí, tuvimos mucho prueba y error para el que el cuello se vea prolijo. Sabíamos que éramos las únicas que lo hacíamos y teníamos esa ventaja, pero ahora que se ve más, creemos que nos diferencia la calidad y el nivel de detalle: la moldería, los textiles, las costuras, el acabado metálico, el método de cierre, el packaging. ¿Planes para futuro? Estamos por abrir una tienda online. Tuvimos muchos pedidos de Rosario, Córdoba, Salta y de otros países, y nos gustaría llegar a más lugares y extender la gama de productos.


DMAG / Six designers interview from 旅館RYOKAN on Vimeo.